In those boundaries they each discover freedom from the inside, slowly, carefully, manipulating the materials they are given with consideration, culminating in a true expression based on love, rooted in the desire to share. The result is loud and pure, raw and defined, clear and so very unclear.

In short, expressions in their purest form.

Ivar and Cecile are a couple who work individually sometimes collaborating on shows they call “Correspondences”. For their installation at us, Ivar has presented 12 paintings and Cecile is performing the 9 pieces listed below, in the Winter Garden of the Citè Radieuse, as well as one dance piece on the roof in the style of  Loie Fuller. 

Contemporary voice :
John Cage 2 pieces:
– the wonderful widow eighteen springs (1942)
– solo for voice 1 (1958)
Georges Aperghis, Récitations (extraits, 1978)
Luciano Berio, Sequenza 3 (1966)

Classical duo:
cello violoncelle : Marie Tournemouly
– “Casta diva” from Norma, Bellini
– “Voi che sapete” Cherubino aria, from Le nozze di Figaro, Mozart
– Sarabande from Suite 3, Bach (solo cello)
– “Addio del passato” Traviata, Verdi
– “Caro nome” Gilda aria, from Rigoletto, Verdi

Title : Altissima Pseudoacacia, Marseille
Date : May 2021
Dimensions : –
Materials : Reinforced plaster, epoxy resin, metal, cement, glass, local construction debris, dried plant stems  (Ailanthus altissima, Robinia pseudoacacia)

Title : Altissima Gloriosa, Marseille 
Date : May 2021 
Dimensions : –
Materials : Reinforced plaster, epoxy resin, metal, cement, glass, local construction debris, dried plant stems  (Ailanthus altissima, Yucca gloriosa)

Title : Columba kramerii
Date : 2019 – ongoing
Dimensions : variable
Materials : Columba livia feathers, ink. 

He was, in the truest sense, the most inspiring artist I met.
Always giving his vision to the world with such care, never wanting to do any harm.
What a joy and a gift. 
To see and give such constant beauty even in the darkest corners.
He was, with my luck, my father-in-law, family.
He had a white beard and passed away on Christmas Day.
He above all else showed me how to live.

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J’ai du mal à imaginer avoir un seul objectif, jour après jour pendant plus de 60 ans.
Difficile, mais incroyablement enrichissant et je suis presque envieu se quand je pense à la possibilité !L’objectif d’ Edlef était de créer. Il a peint, gravé, imprimé, raconté des histoires, joué de la musique, écrit, etc. à chaque instant et chaque jour de sa vie.Le monde était son atelier et il y travaillait sans arrêt.Observer. Traiter. Produire. Donner.Une véritable inspiration pour tous ceux qu’il rencontrait, il était honnêtement aimé de tous ! Sans aucun ennemi !J’ai été à jamais étonnée !Il n’allait pas seulement dans son studio, le studio c’était lui ! C’était une constante. Le monde était son atelier !Comment et quand il a choisi de vivre de cette façon restera à jamais un mystère car il est maintenant parti.Il était, dans le vrai sens du terme, pour moi l’artiste le plus inspirant que j’ai rencontré.Donner toujours sa vision du monde avec tant de soin, ne voulant jamais faire de mal.Quelle joie et quel cadeau.Voir et donner une telle beauté constante même dans la pénombre.Il était, j’ai de la chance, mon beau-père, la famille.
Il avait une barbe blanche et est décédé le jour de Noël.Il m’a surtout montré comment vivre.

12- 4 on June 3rd

A man in black

A man in a hat

A man in a hall, inside the ribs of the whale

A man with a rope

A dance

A performance

A dance performance

21.50 minutes at a time

Lava, a place of life and destruction.
Metamorphosis, liberation, release.
A mediation, a witness, a document of all that breathes.

Claudio’s history is of training and rigidness, a lifetime of contact with the ancients, working with frescos, restoring old and creating new.

Now he gives himself to something raw and truly free.
He is a looker, a wanderer, a listener: he sees, he knows.

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Claudio Bonuglia was born in Rome where he attended the Accademia di Belle Arti.

In the first decade of his career he satisfied private client’s demands for exquisite scenic decorations. Working with the architect Maggistretti on a number of significant Italian houses and castles, he created Giotto-like skies, 1:1 trompe L’oeil of Roman temples and ruins, fantastical botanical gardens, etc. For public commissions, he realized the restoration of the Vatican Library ceiling and the frescoes at the Borgia Castle in Subiaco.After a productive time in Italy, he proceeded to reside in New York, Monte Carlo and London to accomplish private projects that took a distance from tradition and moved his work towards a freer language of his own.
His most recent works present the experimentation of different techniques, a place where antiquity meets the new.  These pieces are a more silent research, a simplification of what he has created until now. 
Here, matter and light become a murmured joy. 

Sometimes he plays with chance, sometimes he creates with calculation. This balance allows him to connect and explore.  At times, he finds his place in deliberate decisions, working in the minutiae; at others he is entirely in the moment, responding to impulse, painting only with a thread dipped in paint, held dangling from above. Regardless of what strikes him, he always comes to a canvas without any clear intention, it is in that moment where he says he feels fearless. 

He used to rarely work with color, he only tapped into it when he moved to Marseille. The light in his studio is so unique, as he describes it, it allows him to access all of the variations in the spectrum.

The names of the works are taken from overheard conversations, “Ou es tu”, Ici non plus” “Mais pas eux”… Pourquoi pas?

Each of these people, two acting as a group, Azur, and two others working as individuals, have found their path not through training in their trades but by eating and digesting what they see and uncover around them. All of them are self-taught in their current ways and consider the past. Over time they have found their own path and practice. Confident enough to not need definition, operating with a desire of how to practice rather than what to practice; coming to a material first and a medium second.

They are friends offering each other support. Sarah Espeute draws using the precise art of embroidery and discovered painting on her own. It’s incredible how she bounces between the two, one being incredibly precise, the other free.

Léa Bigot, I assumed had trained as a ceramicist, but rather, she found the medium literally in a dream. Instead of being bound by knowledge and convention, she treats clay in the manner of wood or stone. Azur, Lisa Favreau and Lisa Guedel-Dolle, work in an ethical way, with materials they appreciate and their own forms, building their enterprise through collaborations as a way to express their principles and beliefs. In doing such they have created a fully sustainable line of articles, well thought, with meaning and beauty.

The group has something in common, each looks to create something timeless that just is and can not be defined. None of them dictate how or when to use their objects and all of them believe one should have less things that can act as more things. They are unbound, using the past to call the future. It answers.

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Il n’y a pas une seule façon de se définir, la définition change d’un moment à l’autre. De même, il est possible d’être un créateur, rien de moins et rien de plus, celui qui peut exister dans n’importe quel matériau, forme ou forme. Le refus d’être catégorisé et identifié par un seul sujet devient de plus en plus courant. Pourquoi l’habitude de travailler dans plusieurs domaines est-elle inhabituelle depuis si longtemps? Le besoin d’être catégorisé était-il purement économique? La renaissance de la maîtrise de nombreux talents et d’un maître non seulement d’un seul commence à montrer la voie et devient plus la norme qu’une exception.

Chacune de ces personnes, deux agissant en groupe, Azur, et deux autres travaillant en tant qu’individus, ont trouvé leur chemin non pas en se formant à leur métier mais en mangeant et en digérant ce qu’elles voient et découvrent autour d’elles. Tous sont autodidactes à leur manière actuelle et considèrent le passé. Au fil du temps, ils ont trouvé leur propre chemin et leur propre pratique. Assez confiant pour ne pas avoir besoin de définition, fonctionnant avec le désir de savoir comment pratiquer plutôt que quoi pratiquer; venir à un matériau d’abord et un second moyen.

Ils sont amis qui se soutiennent mutuellement. Sarah Espeute dessine en utilisant l’art précis de la broderie et découvre la peinture par elle-même. C’est incroyable comme elle rebondit entre les deux, l’un étant incroyablement précis, l’autre libre.

Léa Bigot, j’ai supposé qu’elle avait suivi une formation de céramiste, mais plutôt, elle a trouvé le médium littéralement dans un rêve. Au lieu d’être liée par la connaissance et les conventions, elle traite l’argile à la manière du bois ou de la pierre. Azur, Lisa Favreau et Lisa Guedel-Dolle, travaillent de manière éthique, avec des matériaux qu’ils apprécient et leurs propres formes, construisant leur entreprise à travers des collaborations comme moyen d’exprimer leurs principes et leurs convictions. Ce faisant, ils ont créé une ligne d’articles entièrement durables, bien pensés, avec du sens et de la beauté.

Le groupe a quelque chose en commun, chacun cherche à créer quelque chose d’intemporel qui est juste et ne peut pas être défini. Aucun d’eux ne dicte comment ou quand utiliser leurs objets et tous pensent qu’il faut avoir moins de choses qui peuvent agir comme plus de choses. Ils ne sont pas liés, utilisant le passé pour appeler l’avenir. Cela répond.

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Le centre de Marseille et ses environs ont a nouveau changé, ressuscité et prospéré à un nouveau niveau de matérialité. Dans ces quartiers, les choses sont différentes mais pas dans le «Quartier Nord», les quartiers du Nord, des quartiers de ville pleins de criminalité mais aussi avec des immeubles enviables pour leur rapport à la mer. En contrebas, au sol, des rues contrôlées par des marchands, bloquées de l’extérieur pendant la journée. Au-dessus, de hautes structures avec des vues incroyables, mais personne n’a jamais dit que c’était agréable d’être enfermé dans la tour. Et l’ironie, de faire face à la mer que vous avez traversée pour arriver, de la regarder et de vous rappeler ce que vous avez laissé derrière vous. Le soleil se couche sur sa beauté, ses couleurs étonnantes et pourtant hors de portée, sans accès à pied ou par les moyens publics; aucun transport ne vous livre au bord de la mer pour y toucher, pour vous en souvenir. Les quartiers nord sont isolés, remplis de pauvreté, laissés seuls.

Une fenêtre sur l’intouchable, une vue, certes, mais sur quoi?

Chacun de nous ne se reposera pas, nous n’aurons pas la paix, tant que chacun de nous ne sera pas bercé de manière égale dans le confort de la société.

When I first encountered Yayoï’s paintings my mind immediately formed a beautiful film. I was moving through space and time, encountering glimpses of a reality, a place, a moment, it was a clear sensation. As I traveled throughout the room I felt I was indulging in someone else’s moments in linear form and I was.

Yayoï harmoniously combines impressions from the physical and digital world in her work. She gleans from what she witnesses to create. As she describes, the world can be overwhelming, but at the same time she is tied to her need to see. By producing, painting on impulse is her response to the never ending impressions. This is the way she manages and continues, by distilling down, drilling down, to the essence. This is in fact perhaps why I immediately arrived at a cinematic association when I experienced her work. Why I see paintings but at the same time a series of film negatives passing by as if I was manually turning a wheel. And yet, there is no hand at play, only my eyes and my mind processing her very beautiful and very concise expressions which together tell the poetic story of life.

In her words:

“I use these images as a vector of pure sensation, to avoid being trapped by the overwhelming explosion of images on social media. In a way they can be seen as a journal. I mix this practice with still lives, watercolors and observations from my immediate environment that I collect in notebooks . Picasso said « painting is just another way of keeping a diary ». I think this is exactly my frame of mind about my work right now.”

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Quand j’ai rencontré pour la première fois les peintures de Yayoï, mon esprit a immédiatement formé un beau film. Je me déplaçais à travers l’espace et le temps, rencontrant des aperçus d’une réalité, d’un lieu, d’un moment, c’était une sensation claire. En voyageant dans la pièce, j’ai senti que je me livrais aux moments de quelqu’un d’autre sous forme linéaire et je l’étais.

Yayoï combine harmonieusement les impressions du monde physique et numérique dans son travail. Elle glane ce dont elle est témoin pour créer. Comme elle le décrit, le monde peut être écrasant, mais en même temps, elle est liée à son besoin de voir. En produisant, la peinture impulsive est sa réponse aux impressions sans fin. C’est ainsi qu’elle gère et continue, en distillant, en creusant, jusqu’à l’essence. C’est en fait peut-être pour cela que je suis tout de suite arrivé à une association cinématographique lorsque j’ai vécu son travail. Pourquoi je vois des peintures mais en même temps une série de négatifs de films qui défilent comme si je tournais manuellement une roue. Et pourtant, il n’y a pas de main en jeu, seuls mes yeux et mon esprit traitent ses expressions très belles et très concises qui racontent ensemble l’histoire poétique de la vie.

Lili looks at the world and all the things surrounding her, be that a textile, a leaf, a basket. She watches life in all of its electric flow, capturing the essential beauty in what she creates. Working in repetition, when she describes her work she speaks about a deep appreciation for natural patterns and the influence of cultural artefacts.  She is, in fact, a person who is at one with the world. Observing, absorbing and creating. 

Repetitive like a pattern in nature, formed by handwork, as in craft…saturated, alive and moving…what she creates is life in all its forms around us, colors dancing, animated and liberated. Working with common materials, the basic dot sticker and paper, accessible and within reach, she begins with a drawing and lays each dot on the paper hand-over-hand. The work is a meditation and a deep pleasure. Her creations land in a zone between the second and third dimension and as such she imagines them in numerous materials. For this show you see a curtain, a mirror and a carpet. Her patterns bring each piece to life, what is flat today is easily transformed into an object tomorrow, either in reality or in one’s imagination.

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Lili regarde le monde et tout ce qui l’entoure, que ce soit un textile, une feuille, un panier. Elle regarde la vie dans tout son flux électrique, capturant la beauté essentielle de ce qu’elle crée. Travaillant par répétition, lorsqu’elle décrit son travail, elle parle d’une profonde appréciation des modèles naturels et de l’influence des artefacts culturels. Elle est, en fait, une personne qui ne fait qu’un avec le monde. Observer, absorber et créer.

Répétitive comme un motif dans la nature, formé par le travail manuel, comme dans l’artisanat … saturé, vivant et émouvant … ce qu’elle crée, c’est la vie sous toutes ses formes autour de nous, les couleurs dansantes, animées et libérées. Travaillant avec des matériaux communs, accessibles et à portée de main, elle commence par un dessin et pose chaque point sur le papier main dans la main. Le travail est une méditation et un plaisir profond. Ses créations atterrissent dans une zone entre la deuxième et la troisième dimension et à ce titre elle les imagine dans de nombreux matériaux. Pour ce spectacle, vous voyez un rideau, un miroir et un tapis. Ses motifs donnent vie à chaque pièce, ce qui est plat aujourd’hui se transforme facilement en objet demain, que ce soit dans la réalité ou dans l’imaginaire.